Noticias

Winslow Homer

Winslow Homer


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Winslow Homer nació en Boston, Massachusetts, el 24 de febrero de 1836. Cuando tenía diecinueve años fue aprendiz de la firma litográfica de John Bufford. En 1859 se trasladó a Nueva York donde trabajó como ilustrador autónomo.

Al estallar la Guerra Civil estadounidense, Homero fue enviado por Semanal de Harper, para hacer dibujos de los combates. Observó la batalla de Bull Run antes de acompañar al Ejército del Potomac durante su Campaña Península. También hizo dibujos del sitio de Petersburgo.

Durante la guerra, Homer desarrolló una reputación de realismo y esto se vio reforzado con pinturas como, Frente a Yorktown, Jugando al viejo soldado, Un día lluvioso en el campamento y Una escaramuza en el desierto. Su película más conocida durante este período fue la aclamada Prisoners from the Front (1866).

Aunque Homer era dueño de un estudio en Nueva York, viajó mucho, incluso en el sur profundo, donde pintó The Cotton Pickers (1876) y The Carnival (1877).

Después de vivir en Tynemouth, un pequeño pueblo de pescadores en Inglaterra (1881-82) regresó a los Estados Unidos y se instaló en Prouts Neck, en la costa de Maine. Durante el año siguiente, se concentró en paisajes marinos como The Gulf Stream (1899), Moonlight - Wood's Island Light (1886), Northeaster (1895) y Early Morning After a Storm at Sea (1902).

Winslow Homer murió el 29 de septiembre de 1910.


Winslow Homer

Winslow Homer odiaría esta biografía. Cuando su primer biógrafo, un crítico de arte de Boston llamado William Howe Downes, lo contactó para una entrevista, Homer respondió:

“Puede que te parezca ingrato que después de tus veinticinco años de arduo trabajo en el auge de mis cuadros, no esté de acuerdo contigo con respecto a ese boceto propuesto de mi vida. Pero creo que probablemente me mataría que apareciera algo así, y como la parte más interesante de mi vida no es de interés para el público, debo negarme a darles detalles al respecto ".

Winslow Homer era un hombre reservado, y con razón. Su entrada al mundo del arte se produjo en un momento en que el arte estadounidense luchaba por el reconocimiento internacional, y después de un ascenso metiórico al éxito, Homer fue alabado como un pintor estadounidense heroico y atacado por críticos que esperaban que él definiera una nueva era de arte nacional.

Pero, a pesar de sus reticencias, hablemos de la vida del artista. Homer nació en Boston en 1836 y fue criado por su estoica madre después de que su padre se mudara a Europa persiguiendo una serie de planes para hacerse rico rápidamente. La madre de Homer le enseñó a usar acuarelas y le transmitió su ingenio seco y su naturaleza tranquila. A los 19 años, Homer fue aprendiz de litógrafo y desarrolló una práctica de ilustración independiente. En 1861, los encargos de ilustración de Homer para la revista Harpers lo llevaron al frente de la Guerra Civil estadounidense y a su primera prueba del éxito profesional. De regreso a su estudio, Homer recurrió a los óleos para conmemorar su experiencia en la portada. Sus obras Prisoners from the Front y Home, Sweet Home, fueron mostradas en la Academia Nacional de Diseño con una respuesta increíble. Winslow Homer iba camino del éxito.

Expectativas brutales

Después de la guerra, Homer continuó su ilustración para Harpers, mientras cambiaba su pintura hacia un entorno más pastoral, y los críticos comenzaron a inclinarse. El nombre de Homer se había unido al arte estadounidense y las expectativas aumentaron. Su retrato de mujeres jóvenes en una playa, Eagle Head, Manchester, Massachusetts, fue llamado "trivial" y de dudoso gusto. Cerney-la-Ville-French Farm y Rocky Coast y Gulls se llamaron inacabados. Quizás sintiendo la presión de pintar más temas "estadounidenses", Homer pintó The Country School, que pareció cumplir con las expectativas críticas. A pesar del volumen de ruido crítico, las pinturas de la carrera intermedia de Homero muestran muy poca evolución. Incluso un año en París vio poca influencia en su estilo tranquilo y sencillo. Quizás porque Homer deliberadamente evadió la influencia, como su compañero pintor Eugene Benson lo citó diciendo que "los artistas nunca deben mirar imágenes, sino que deben tartamudear en un lenguaje propio".

Un estilo maduro

Al final, fue la naturaleza la que cambiaría el trabajo de Homer. En 1881, Homer cumplió 45 años y se mudó a la ciudad costera inglesa de Cullercoats. Trabajó en tonos fríos y sobrios en acuarela. Sus súbditos eran las almas resistentes que se ganaban la vida con el mar. Sus escenas pastorales son reemplazadas por la lucha llevada a hombros y la dignidad aislada de la supervivencia. Fue un cambio radical. El trabajo de Homer había trascendido las expectativas nacionalistas y, a su regreso a Estados Unidos, los críticos fueron arrastrados por su nuevo trabajo. “Es un Homero muy diferente al que conocimos en el pasado, sus fotos tocan un plano mucho más alto. Son obras de Arte Superior ".

La nueva musa de Homer era el mar, y adoptó la vida de un ermitaño, viviendo en Prouts Neck, Maine, en un cochera a solo 75 pies del océano. Se quedaría junto al océano hasta su muerte en 1910, viviendo frugalmente y haciendo obras que eran himnos al poder implacible de la naturaleza. De hecho, el trabajo de Homer había logrado lo que el mundo del arte esperaba de él, una voz esencialmente estadounidense, pero solo después de que encontró el sereno coraje de solutide.


Winslow Homer - biografía y legado

Winslow Homer nació de Charles Savage Homer y Henrietta Benson Homer en Boston, Massachusetts, el hijo del medio de tres hijos. La familia se mudó cuando el joven Winslow tenía seis años a la cercana ciudad rural de Cambridge. Su madre era una acuarelista aficionada que le enseñó a su hijo artístico los rudimentos de su oficio y su afinidad compartida por las artes fomentó una relación cercana que duró toda la vida. Su padre, por otro lado, era un hombre de negocios fracasado en gran medida y, en palabras del historiador de arte y curador Nicolai Cikovsky, un excéntrico en "comportamiento y apariencia". Sin embargo, apoyó las ambiciones artísticas de su hijo. Como detalla Cikovsky en el catálogo de la exposición integral de 1995 en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, "También alentó la 'inclinación hacia el arte' de su hijo adquiriendo para él, en un viaje de negocios a Inglaterra, recursos para el arte la autoayuda como "un conjunto completo de litografías de Julian [sic]: representaciones de cabezas, orejas, narices, ojos, rostros, árboles, casas, todo lo que a un joven dibujante le gustaría intentar hacer". Además, fue su padre quien organizó al esperanzado artista un aprendizaje con un conocido John H. Bufford, un destacado litógrafo comercial de Boston, cuando Winslow cumplió 19 años.

Aunque este período representa la experiencia más parecida a cualquier formación formal, creando ilustraciones para partituras populares, Homer describiría más tarde estos dos años como una mera "existencia caminadora". Al final de su aprendizaje en 1857, Homer juró no volver a trabajar para nadie, abrió su propio estudio en Boston y estableció una exitosa carrera independiente como ilustrador comercial. Aunque Homer ganó rápidamente estatura, la creación de trabajos para revistas como El pictórico de Ballou y Periódico ilustrado de Frank Leslie en Boston, así como el influyente Semanal de Harper en Nueva York, pronto revelaría su verdadera ambición: convertirse en pintor.

En consecuencia, en 1859, Homer se mudó a Nueva York, que para entonces era un importante centro de actividad editorial y artística, donde la feroz rivalidad entre el legado de la generación anterior de artistas de la Escuela del Río Hudson se enfrentó a las nuevas tendencias importadas de Europa. Poco después de establecer su estudio en la ciudad, Homer se matriculó en clases en la Academia Nacional de Diseño en el otoño de ese mismo año. Como detalla Cikovsky: "En algún momento a principios de 1861, tomó un mes de lecciones de Frederick Rondel (un artista de Boston a quien ya conocía), quien una vez a la semana, los sábados, le enseñó a manejar su pincel, a configurar su paleta. , etc. " Homer tomó clases adicionales en la academia en 1863, pero atribuye su instrucción primaria, no a un mentor específico, sino al estudio de la naturaleza. Para el joven artista, Europa era el siguiente paso lógico para perfeccionar sus habilidades en desarrollo, pero la escalada de la Guerra Civil de Estados Unidos puso esos planes en suspenso.

Carrera temprana

La carrera inicial de Winslow Homer como ilustrador independiente lo puso en contacto directo con las realidades de la Guerra Civil. Dentro de los seis meses del estallido de la guerra, Semanal de Harper asignó a Homero para cubrir la guerra desde el frente, lo que supuso un punto de inflexión en su desarrollo personal y artístico. Durante las múltiples visitas de Homero a los campamentos de las tropas del Norte, realizó numerosos estudios para grabados que iban desde escenas de género hasta escenas de conflicto abarrotadas. Sin embargo, fueron sus representaciones matizadas de la vida cotidiana de los soldados comunes las que dominan su obra de este período. Estos bocetos más tarde formaron la base de sus ilustraciones comerciales y hoy en día también brindan una visión única de las tecnologías cambiantes de la guerra moderna, sobre todo en El ejército del Potomac: un tirador afilado en servicio de piquete (1862). Durante este tiempo, Homer también hizo su "debut profesional" como pintor con gran éxito en la exposición anual en la Academia Nacional de Diseño en 1863 con dos pinturas, Hogar dulce hogar y El último ganso en Yorktown, ambos centrados en la vida diaria de los soldados de la Unión.

Después del final de la guerra, los bocetos de Homer en tiempos de guerra continuaron informando una serie de pinturas, la más notable Veterano en un campo nuevo (1865) y Prisioneros en el frente (1866), que aseguró su reputación como artista y sigue siendo una de sus pinturas más conocidas hasta el día de hoy. Estas obras aseguraron su reputación artística en Nueva York y este último también fue elegido para representar a los Estados Unidos en la Exposición Universal en París en 1866. Incluso con este éxito, Homer continuó haciendo trabajos comerciales hasta 1875, momento en el que la pintura al óleo y la acuarela se convirtieron en las principales ocupaciones de Homer.

Período de madurez

En 1867, Homer viajó con su pintura a Francia para el primero de sus dos viajes a Europa, y vivió en París durante casi un año. La estancia del joven estadounidense en Francia coincidió con exposiciones de obras de artistas realistas como Edouard Manet y Gustave Courbet. Sin embargo, como señala Cikovsky, Homer encontró una mayor inspiración en Jean-François Millet y The Barbizon School, un movimiento orientado al paisaje que también ganó popularidad en Estados Unidos en la década de 1860. Durante su estadía, Homer también habría visto las pinturas preimpresionistas de Claude Monet y Auguste Renoir, quienes parecían igualmente obligados por los efectos naturales de la luz como su contraparte estadounidense.

Al regresar a los Estados Unidos, sorprendentemente, Homer no exhibió nuevas pinturas de su tiempo en el extranjero, pero sí mostró, en palabras de la historiadora Margaret C. Conrads, "Prisioneros en el frente, el lienzo que por sí solo lo había catapultado a la fama en 1866 ", que nuevamente se exhibió en la Academia Nacional de Diseño.

De hecho, había una sensación de nostalgia e inocencia mezclada con una manifestación claramente estadounidense de ideales modernos y democráticos que caracterizaron las pinturas creadas por Homero a su regreso. El estilo de su trabajo, incluso en este período temprano, irritó a los críticos de su época, algunos de los cuales lo describieron como "inacabado", y durante mucho tiempo ha frustrado a cualquiera que busque crear un linaje entre Homero y maestros anteriores en los Estados Unidos o Europa. . Un conocido dicho de Homero resume su objetivo de independencia artística: "Si un hombre quiere ser artista, nunca debe mirar imágenes". En consecuencia, Homer continuó pintando imágenes de la vida rural estadounidense con su estilo único, incluida una serie de obras que representaban escenas de escolares rurales dirigidos por jóvenes maestras de escuela y escenas de género perspicaces de afroamericanos, sin adoptar la estética o las inclinaciones urbanas de los Tendencias "avanzadas" en la pintura francesa.

El trabajo de Homer ganó fuerza durante la década de 1870, y durante el verano de 1873, mientras estaba en Gloucester, Massachusetts, Homer comenzó a dedicar seria atención a la pintura con acuarelas, por lo que sigue siendo el mayor pintor estadounidense asociado con el medio hasta la actualidad.

A lo largo del aumento constante de su popularidad, la recepción crítica de su trabajo siguió siendo mixta. De sus obras en la Exposición del Centenario de 1876, un crítico independiente escribió: "Confesamos francamente que detestamos a sus sujetos. Ha elegido el rango de escenario y civilización menos pictórico; los ha tratado resueltamente como si fueran pictóricos", mientras que un escrito en The New York Tribune elogió su originalidad: "No hay imagen en esta exposición, ni podemos recordar cuándo ha habido una imagen en alguna exposición, que se pueda nombrar junto a esta".

En 1878, Homer fue incluido nuevamente con un grupo de artistas seleccionados para representar a Estados Unidos en la Exposición Universal en París, donde, como explica Margaret C. Conrad: "Las respuestas de los críticos europeos reiteraron las características comúnmente aceptadas de la americanidad de Homero: sus sujetos, espíritu de originalidad, sencillez de corazón, honestidad (aunque algunos la consideran torpe), verdad de sentimiento y trato, y fuerte carácter local ".

Aunque generalmente se describe como una persona privada, el tiempo de Homer tanto en Francia como en Nueva York incluyó la camaradería con sus compañeros artistas. A finales de la década de 1870, participó en The Tile Club, una sociedad artística fundada en 1877 en respuesta a la creciente popularidad de las artes decorativas en los Estados Unidos. El grupo de artistas, incluidos los pintores William Merritt Chase, Arthur Quartley, John H. Twachtman y el escultor Augustus Saint-Gaudens, se reunían con frecuencia, realizaban excursiones de pintura y cada uno contribuía con pinturas en un mosaico de 8 por 8 pulgadas, por lo tanto el nombre del club. Mientras estaba activo con este grupo, incluso organizando cenas en su estudio, estas relaciones no parecían durar más allá de la membresía de Homer en el club, durante el cual se ganó el apodo de "El bardo obtuso", lo que quizás proporcione una idea de su personaje.

Alrededor de 1880, Homer se volvió notablemente más solitario, alejándose de la vida social urbana para una vida más tranquila en pueblos pequeños, mudándose a una isla en Gloucester Harbour durante el verano. Algunos especulan que esto tuvo que ver con una serie de angustias u otra confusión emocional similar, aunque esa conjetura sigue siendo imposible de confirmar, ya que Homer mantuvo su vida privada bastante protegida. Como, según se informa, le dijo una vez a un posible biógrafo: "Probablemente me mataría que apareciera una cosa así, y como la parte más interesante de mi vida no es de interés para el público, debo negarme a darte detalles con respecto a eso." Independientemente, este cambio en el entorno tuvo un impacto significativo en el tema de sus obras, que se volvió cada vez más dramático e incluso inquietante durante este período.

Periodo posterior

El primer lugar al que fue Homer después de dejar el ajetreo y el bullicio de Nueva York fue el remoto pueblo pesquero de Cullercoats en Northumberland, Inglaterra, donde vivió desde 1881 hasta 1882. En su ensayo titulado Un proceso de cambioFranklin Kelly, un historiador del arte estadounidense y británico, describió: "Prácticamente todos los escritores que han tenido algo que decir sobre Homero desde 1882 han considerado el viaje a Inglaterra como un punto de inflexión crítico en su carrera, uno que delimita sus primeros años, con toda su promesa, de su carrera madura, cuando traería a su arte un nuevo nivel de intensidad y propósito ". Sus sujetos en Cullercoats, a menudo retratados en acuarela, se desplazaron hacia las clases trabajadoras, con mayor frecuencia los pescadores y mujeres cuyas vidas estaban separadas y unidas por el mar. Homer capturó simultáneamente la atmósfera de la costa llena de niebla mientras representaba escenas de una manera impasible que lleva a los historiadores del arte a leer las obras de este período como representaciones del heroísmo diario de los trabajadores comunes. Otros, como el escritor y crítico de arte inglés Edward Lucie-Smith, buscan una "influencia fotográfica" objetiva en el trabajo de Homer con "un énfasis en formas simples, estáticas y a menudo recortadas". Cuando regresó a los Estados Unidos y exhibió estas obras en Nueva York, los críticos notaron las diferencias entre estas y sus pinturas anteriores: "Es un Homero muy diferente al que conocimos en el pasado", ahora sus cuadros "tocan un plano mucho más alto. Son obras de Arte Superior ".

Aunque Homer continuaría mostrando su trabajo en Nueva York durante el resto de su carrera, decidió no vivir en la ciudad al regresar a American. En cambio, como señala Helen S. Cooper, "la necesidad de aislamiento que había llevado a Homer a pasar más de un año y medio en Cullercoats permaneció con él en Estados Unidos. Encontró un ambiente apropiado en Prout's Neck, una península rocosa en la costa de Maine, diez millas al sur de Portland ". El traslado hacia el norte fue realizado por primera vez por su hermano menor Arthur, quien fue el primero en visitar la región en su luna de miel en 1875, y continuó veraneando allí en los años siguientes. En 1883, la familia invirtió en propiedades, incluido Winslow, que también tenía la intención de pasar el verano en la propiedad, pero tras la muerte de su madre al año siguiente, se instaló de forma permanente en una pequeña casa de campo donde también instaló su estudio.

El artista había visitado la apartada región durante casi una década antes de mudarse para pasar el resto de su vida en Prout's Neck, donde sus relaciones más cercanas eran su hermano Charles y su cuñada Mattie. Homer compró la cochera de la casa principal que pertenecía a su hermano, donde construyó su estudio de artista con vistas al mar más allá de los acantilados rocosos. Durante este período, sus pinturas más famosas podrían sugerir una vida de soledad y paciencia. Sin embargo, se sabe que Homer viajó regularmente lejos de las gélidas costas del norte de Prout's Neck hacia los climas más cálidos de Bermuda, las Bahamas y Florida durante los meses de invierno, capturando el aura distintiva del clima tropical en una serie de acuarelas y pinturas. bocetos. Sin embargo, al regresar a su estudio ubicado sobre los acantilados rocosos junto al mar, Homer volvería a sus incansables exploraciones del mar.

A la edad de 74 años, Winslow Homer falleció en Prout's Neck en 1910.

El legado de Winslow Homer

Winslow Homer es considerado uno de los pintores estadounidenses más destacados del siglo XIX. Su trabajo tuvo un papel importante en el desarrollo de la sensibilidad artística estadounidense en un momento en que las influencias europeas eran tema de gran debate por parte de artistas y críticos en los Estados Unidos. Su decidida independencia fue una fuente de influencia para los de su tiempo. Como señaló el historiador del arte Matthew Baigell en Una historia concisa de la pintura y la escultura estadounidenses, "Homer y Eakins transformaron la pintura de género y el retrato en fuertes declaraciones de sensibilidad personal y en sus últimas obras descubrieron una América que las bromas impresionistas y el escapismo renacentista estadounidense pasaron por alto por completo". La influencia de Homer también es evidente en el tosco naturalismo de las generaciones sucesivas de realistas, conocidos como los Pintores Ashcan, desde Robert Henri hasta sus estudiantes, incluidos George Bellows, George Luks y John Sloan.

Por el contrario, las visiones del mar de Homero sirvieron de inspiración para el pintor trascendentalista Rockwell Kent que, como Henri y Bellows, viajó a la costa rocosa de Maine para pintar desde el mismo terreno que inspiró a su héroe. Los paisajes despoblados de Kent, incluidas las escenas invernales de la costa de Maine, se destacan por las cualidades formales que unen su trabajo a Homer. En palabras de J. Nilsen Laurvik, director del Palacio de Bellas Artes de San Francisco, Kent fue "un digno sucesor del maestro de Prout's Neck, cuya costa escarpada y surcada de rocas ha representado con franca sencillez y franqueza que ha algo de la cruda realidad y el amargo sabor del mar mismo ".

La influencia de Winslow Homer continuó en el siglo XX, particularmente entre los artistas que rechazaron en gran medida las tendencias de abstracción inspiradas en Europa y continuaron persiguiendo una voz claramente estadounidense en su arte. Entre los regionalistas estadounidenses, la visión de Homer encontró mayor resonancia con las pinturas realistas de Edward Hopper cuyos paisajes urbanos coinciden con el inquietante silencio de los desolados paisajes marinos de Homer. Algo sorprendente es la influencia de Homero en aquellos artistas que se identifican más fácilmente con las influencias de la abstracción europea a principios del siglo XX, como Marsden Hartley. Tanto Hopper como Hartley hicieron varios viajes a la costa de Maine, repitiendo la peregrinación que primero hicieron Henri y Bellows. Pero donde la influencia de Homero en los sucesivos realistas es manifiesta, Hartley buscó fusionar los dos enfoques aparentemente diversos para crear un estilo regionalista moderno.


Crítico y # 8217s Corner: Undertow y Shepherdess of Houghton Farm

Por John Boudreau, pasante de comunicaciones

Aunque Winslow Homer es considerado hoy como uno de los artistas más destacados de Estados Unidos, no siempre tuvo una aprobación crítica tan universal durante su carrera. Esta semana, echamos un vistazo a algunas críticas y comentarios positivos. ¿Estás de acuerdo con los revisores? ¿Discrepar? Deje sus pensamientos en la sección de comentarios a continuación. La semana que viene, destacaremos algunas críticas no tan positivas. ¡Manténganse al tanto!

Winslow Homer, Resaca, 1886. Óleo sobre lienzo, 75,7 x 121 cm. El Clark, 1955.4

Resaca, 1886

“Aunque no es notable por su dibujo poderoso ni por ninguna calidad de color especialmente hermosa, esta imagen tiene una fuerza, un aire de verdad, una fina calidad escultórica de modelado que la coloca mucho más allá del tipo de trabajo ordinario y bien hecho que nosotros están obligados a elogiar su honestidad, pero que no excita nuestro entusiasmo. En esta imagen hay un soplo de gran arte ... [Homero] 'Resaca', por su virilidad, su verdad, su sinceridad de intención, supera a todas las imágenes de la exposición de la Academia ". -" Bellas Artes. La exposición de la academia: yo ” La Nación 44 (14 de abril de 1887): 327

Winslow Homer, Pastora de Houghton Farm, 1878. Acuarela y grafito, con adiciones de tinta y gouache, sobre papel avitelado crema, 27,9 x 48,3 cm. El Clark, 1955.1483

Pastora de Houghton Farm, 1878

"Señor. Homer ha comenzado y tiene bastante avanzado un dibujo de acuarela tomado de los estudios, que está admirablemente compuesto. En la sombra, en la cima de una loma en un país suavemente ondulado, yace tendida sobre la hierba una niña rodeada de sus ovejas. La colina contigua, en la que hay algunos árboles, está a plena luz del sol, contra la cual las figuras del primer plano se definen nítidamente ”-“ Bellas Artes. Studio Notes, " New York Herald, 11 de noviembre de 1878

“McDonald llamó. Dijo que 3 acuarelas de Winslow Homer estarían allí para que las viera ... Llegaron los Winslow Homers. Un 'Log Jam' excelente pero $ 3000. Una escena de playa no terminada. Una escena pastoral con 'Sheep, Pasture & amp a Girl 1878 '& # 8211 $ 1000 — Nunca había visto uno con ovejas antes — Fue muy poético. [sic] ”- Diario de Sterling Clark, 29 de septiembre de 1942 (74)

Las reseñas están extraídas de Winslow Homer: La colección Clark, ed. Marc Simpson (Williamstown, MA: Sterling and Francine Clark Art Institute, 2013), páginas 86 y 74.


El artista estadounidense Winslow Homer (1836-1910), el maestro autodidacta más conocido hoy por sus escenas de la naturaleza y el mar, comenzó como uno de los “artistas especiales” de la Guerra Civil. Eran los corresponsales de combate de su época, viajaban y vivían con soldados. Sus bocetos, grabados en madera y pinturas mostraban tanto el horror de la batalla como el respiro improvisado de la vida en el campo. Impresas por miles, estas imágenes le dieron al público estadounidense un sentido visual de la guerra.

Homer creció en lo que entonces era la zona rural de Cambridge, y en 1859 tenía un estudio en la calle 10 de Nueva York. En marzo de 1861, Harper's Weekly lo contrató para ilustrar el primer discurso inaugural de Abraham Lincoln, y luego se quedó en la revista cuando comenzó la Guerra Civil un mes después. De vez en cuando, Homer pasó los siguientes cuatro años documentando el conflicto. (Durante un tiempo estuvo adjunto a la Quinta Infantería de Nueva York, una unidad conocida como los Zuavos de Duryee). Esbozó una guerra de acción, color y carnicería, pero no ignoró las pausas intermedias, cuando los soldados holgazaneaban en el campamento. pensando en casa.

Los días de la Guerra Civil de Homero, representados por dos pinturas, atrajeron a una audiencia pequeña y atenta al Museo Arthur M. Sackler la semana pasada. La ocasión fue la última de una serie de charlas en galerías patrocinadas por los Museos de Arte de Harvard. Melissa Renn, asociada curatorial senior y educadora senior de museos Judith Murray brindó comentarios sobre las dos obras: "Pitching Quoits" y "The Brush Harrow".

Ambos están fechados en 1865, pero difícilmente podrían ser más diferentes. El primero muestra a los soldados de Zouave, resplandecientes con sus característicos fezzes rojos, chaquetas cortas y pantalones escarlata ondulantes, lanzando tejas en un campamento del ejército abarrotado. (En realidad, estaban lanzando herraduras, dijo Renn). El uso dramático del color en la pintura lo marca como un Homero, dijo Renn, y su composición muestra influencias tanto románticas como clásicas.

La segunda pintura muestra a dos niños, uno montado en un caballo de la marca estadounidense dibujando una grada en un campo yermo. Que eran muchachos, que no había hombres y que el escuálido caballo había asistido al servicio del ejército son todos reconocimientos indirectos de la agotadora guerra que acababa de terminar. Los críticos reconocen esta escena aparentemente pacífica como una pintura de la Guerra Civil tanto como podría serlo cualquier escena de batalla, y que es tierna, sensible y conmovedora. Para Murray, esta escena rural encarna el deseo de Lincoln en su segunda inauguración: que los estadounidenses dejen a un lado la malicia y "vendar las heridas de la nación".

También muestra, agregó, "la presencia de la ausencia", una escena que habla de un hecho de la vida después de la guerra. Fue un inmenso campo de exterminio, con una cifra de muertos de 750.000.

Murray ayudó a desarrollar el proyecto Engaging New Americans en los Museos de Arte de Harvard. Está diseñado para presentarles a los inmigrantes la cultura estadounidense y mostrar "cómo las obras de arte realmente hablan", dijo. “The Brush Harrow” es una pieza central frecuente de las clases.

En su trabajo de la Guerra Civil, dijo Renn, Homer nunca representó soldados muertos, algo común en los periódicos de la época. Homero tampoco describió las escenas de batalla como heroicas.

Pero no se avergonzó de los hechos. Quizás su ilustración más conocida de la guerra sea “El ejército del Potomac: un tirador afilado en el piquete” (1862). Representa a un francotirador de la Unión en equilibrio en un árbol y mirando a través de una mira montada en su rifle largo. Los historiadores del arte lo elogian por sus "diagonales dramáticas", dijo Renn. Pero para Homer fue una tragedia, y los francotiradores eran los sombríos técnicos de la tecnología moderna de los rifles. "Siempre tuve un horror", escribió más tarde, "de esa rama de servicio".

Hay un toque de horror incluso en los aparentemente pacíficos "Pitching Quoits", sugirió un espectador esta semana. En primer plano, moteado sobre madera de desecho cerca de una fogata muerta, hay bayas de acebo, diminutas y de color rojo sangre.


Una mirada más cercana a algunas de las pinturas de Winslow Homer

En la hermosa pintura del paisaje marino a continuación, observe la sutil variación de color en el cielo, hay todo tipo de verdes, amarillos, rojos y grises apagados. De hecho, apenas hay azul. Tenga esto en cuenta la próxima vez que pinte un paisaje marino de mal humor. No caigas en la trampa del "cielo siempre azul".

En la parte inferior de la pintura, Homer dio la indicación de arena húmeda que refleja la luz del cielo y el agua. Se utilizó una pincelada suave para esta área, en contraste con la pincelada rugosa y texturizada utilizada para las olas rompientes.

A continuación se muestra una pintura muy delicada de Homer, que muestra a una joven con un vestido blanco entre el paisaje. Al igual que con muchas de las pinturas de Homer, hay una sensación de mal humor en el paisaje, con nubes oscuras en lo alto.

Hay similitudes agradables entre la dama y las delicadas flores junto a ella, ambas están pintadas con detalles intrincados y en su mayoría colores claros. El resto del paisaje circundante está pintado con detalles relativamente básicos y colores apagados.

Este también es un excelente ejemplo de cómo pintar sujetos blancos. Si miras de cerca, verás que casi no se usó blanco puro, el vestido está hecho de amarillos débiles, morados y grises. Homer reservó el blanco puro solo para los reflejos más fuertes.

A continuación se muestra un impresionante ejemplo de contraste de valor (contraste entre claro y oscuro). La luz del fondo realmente sobresale del cuadro. Como dijo una vez Homero:

"Es maravilloso cuánto depende de las relaciones entre el blanco y el negro. Un blanco y negro, si está debidamente equilibrado, sugiere el color".

Además, observe la pincelada de barrido que se usa en primer plano para sugerir un viento fuerte. Esto se ve reforzado por el sujeto cuyo vestido está atrapando el viento y que parece estar agarrando su sombrero para evitar que se lo lleve el viento.

En Homer's Pescador niña, la niña emerge de un fondo abstracto. Hay una gaviota en la parte superior de la pintura y solo un indicio de nubes en el cielo. El resto del fondo depende de tu imaginación. La niña, por el contrario, está pintada con intrincados detalles y colores suaves y apagados.

La colorida pintura de acuarela de Homer a continuación presenta un agradable contraste entre naranjas y azules (colores complementarios). No estoy seguro de cómo Homer pintó esto, pero supongo que comenzó con lavados generales y luego se deshizo del color en la parte superior. Homer también usó el negro para llamar su atención sobre el bote en el medio.

La pintura de abajo es mucho más relajada, lo cual es apropiado para representar la luz tenue de la puesta de sol (menos luz significa menos claridad). La pintura es limitada en términos de matiz, con el rojo y el negro dominando.

La pintura de abajo insinúa el trabajo de Homero en la ilustración, con la interpretación cuidadosa y casi exagerada de los sujetos. Lo que me encanta de la pintura es el control que se muestra en el agua, te da una idea de la forma y el movimiento del agua sin que se sienta exagerada.

A continuación se muestra una demostración del notable control y talento general de Homer. Los colores son apagados, pero no suaves. La composición es inteligente, con un agradable equilibrio entre las áreas detalladas y simplificadas. La pincelada es intrincada, pero no exagerada. Finalmente, el negro intenso utilizado para el vestido y la pizarra de la maestra atrae su atención a través de la pintura hacia el centro.

(Entro en muchos más detalles sobre los fundamentos de mi curso de la Academia de Pintura).


Winslow Homer en Harvard: una historia de "noticias falsas"

W inslow Homer: testigo ocular es la nueva muestra en el Museo Fogg en Cambridge, Mass., en el campus de Harvard. Homero (1836-1910) siempre sigue dando, y esta es una medida de su grandeza. Por un lado, está arraigado en la tradición. Él & # 8217 es un artista de la escuela del río Hudson en su enfoque en el paisaje y el paisaje marino, aunque el programa deja en claro que él & # 8217 también es un formidable pintor de figuras. Por otro lado, no solo es moderno, sino también fresco y receptivo a nuestro tiempo. El programa sirve muy bien como un manual básico de Homer, entre sus fascinantes áreas de enfoque.

Este programa trata sobre el negocio de las noticias en la década de 1860 en Estados Unidos y la forma en que moldeó el estilo de Homer. Los estadounidenses siempre han estado obsesionados con las noticias. Incluso en las décadas de 1840 y 1850, nuestro país, en su mayoría fronterizo, tenía miles de periódicos. Then, technology changed the news business constantly, and that continues today. And as the show deftly notes, fake news was not an occasional problem so much as an inherent vice.

Whenever you look at art by Homer, it’s worth remembering that he became famous as a newspaper and magazine illustrator from the late 1850s through the 1870s. He was a star illustrator of the two marquee news magazines, Harper & # 8217s semanal y Harper’s Monthly, before the technology of mass producing a photograph was developed. And what made him more famous is his coverage of the biggest news story in America: the Civil War.

The show is a good balance of illustrations, watercolors, paintings, and photographs, and they’re not only separate media but reinforcing ones. News from the War, a Homer illustration that appeared in June 1862, is one of the early works in the show. Yes, Homer was covering a grisly war, but the eternally narcissistic news business — reporters like nothing more than a story about themselves — could take time to celebrate its own acumen in getting good stories from the battlefield to the hearth.

Homer is a designer of genius. It’s seven vignettes, so it’s complicated. He organizes it through effective black and white contrasts and a cunning talent for using passages of symmetry and asymmetry to keep things both lively and moving in a coherent way. News comes by letter, bugle, word of mouth, the new technology of railroads, and, emphatically, via the gutsy reporter, who happens to be Homer himself.

The reality is that reporters rarely got close to battle. They were as aggressively spun and massaged then as now by generals and politicians. Homer was no exception. Sitting on an empty barrel, though, the sketching Homer suggests that he was indeed a witness. As the public’s eyes and ears, he felt the sadness and enthusiasm of the war and was uniquely positioned to convey it. Newspaper wars in the 1860s were fierce, with major outlets such as Harper’s claiming that competitors published fake news — not only false news but news they invented — as opposed to Homer’s on-the-spot observation and drawing.

Rebels outside Their Works, also from 1862, goes a step further. Set in Yorktown, Homer’s illustration depicts Confederate soldiers prowling the front line at night, for both sharpshooting and spying. Homer excelled at heart-pumping drama. As the war reporter, he’s shining a light on what’s happening at the front as much as Confederates were using torches to gather an information advantage. He creates a documentary sense of “you are there.” That’s what every good reporter does.

Homer is at his most effective and most modern as a story-telling minimalist. He’s a great designer and organizer of groups, but his best illustrations are the simplest. Sometimes his minimalism was required. Most of the media turf wars occurred over word counts and column inches. Good stories could be told with brevity. Our Watering Places — The Empty Sleeve at Newport appeared in Harper & # 8217s semanal in August 1865. The war had ended a few months before. The work illustrated a story about a young soldier who came back from the war to discover that in his absence his wife had learned to drive a buggy. It’s a sweet tale of women’s liberation.

Looking at the illustration, though, one can quickly see that it oozes with anxiety. The brightest white is the woman’s face. That’s where the viewer goes because it’s so bright. Her expression tells us she’s determined but terrified, and her grip on the taut reins underscores the point. Her husband’s face is sunken. Both faces are partially shaded, telling us that some things are ambiguous or unseen. Then we focus on the empty sleeve. He’s come back disfigured, an amputee. Homer is at his best in conveying a big, universal story, filled with pathos, through the smallest detail or nuance. This couple has a lot more to get used to than the wife having learned to drive a buggy.

The scene is set in Newport, even then a glittering summer-vacation spot. It might surprise that he did so many scenes of everyday women’s lives since Homer was among the most alpha of male artists. He loved to fish and hunt, never married, and lived mostly in the company of rich men, but given these things, he was a canny interpreter of bourgeois leisure, and that includes women’s clothing and women’s activities. Harper’s wasn’t only a news periodical. It was a lifestyle publication, too. On the one hand, this couple seeks the normalcy of a Newport vacation, the first since the shooting stopped. On the other, for them, nothing will be normal again.

The art in the show is almost entirely from the Fogg’s collection. Homer is one of those rare artists who almost never had a bad day, so everything is good. If I had to name its biggest stars, though, I’d have to pick the six Homer watercolors from the Fogg’s Grenville Winthrop collection. Winthrop was one of New York’s greatest collectors. When he died in 1843, his collection came to the Fogg. The gift came with so many restrictions that these works, great American and European things, almost never leave the Fogg.

The Winthrop Homer watercolors are gorgeous. They’re joined by five other Homer watercolors, and these are rarely seen as well. Homer started making watercolors in 1873, inspired by their on-the-spot immediacy. By the mid 1860s, he was painting in oil, but watercolor allowed him to develop his knack for showing the single, ephemeral moment for aesthetic goals rather than a newspaper’s goal to report the stories of the day.

All the watercolors in the show are from the 1880s and 1890s. His palette is so various, with citrus colors used for his Caribbean scenes to dull grays, greens, and blues of his wild Maine and Adirondack pictures. Canoe in Rapids, from 1897, is Homer at his essentialist best. The rough forest landscape, cold gray sky, and roiled water is a triumph of efficiency and directness, each element of nature reduced to essential qualities. It’s beautiful but far from pretty. In most of his watercolors, he shows a hard, rough world. Even when he peoples them, the figures are subordinated to a natural world that’s timeless, vast, and uncontrollable. Nature’s rarely decorative.

The show is worth seeing for two of the Winthrop watercolors. Schooner at Sunset y Sailboat and Fourth of July Fireworks are both from 1880, a year Homer painted sunset and nocturne watercolors, mostly in Gloucester, Mass. I’ve seen these two a few times over the years, only because I lived near Harvard when I was a museum director in Andover. They’re so exquisite, so sublime, packing a big punch in a small package. I think of them like a dog thinks of food, which is a lot.

Why are they in a show about Homer in the news? For very smart, subtle reasons. The heart, and art, of the news business is chasing and capturing instants in time. The things that change are the things we read a newspaper to learn. It’s why we check our news sites a dozen times a day. Fireworks are ephemeral, though the bangs and lights are big. Even a sunset changes from second to second, and we know a great sunset starts slowly, evolves, but then the sun drops like a stone.

There are only three or four oil paintings in the show. The most famous and one of only two loans is Prisoners at the Front, from 1866. At that point, Homer was starting to paint big studio oils and moving into the high-art world. This painting has the feel of a newspaper illustration, which isn’t a slight. Its figures are clearly defined. Its design is close to a frieze, and that’s part of his newspaper vocabulary. Illustrations in newspapers and magazines usually don’t have much depth. Depth and recession are distractions. Newspaper illustration, then news photography around 1900, and, now, TV-news camerawork often present complex images, but they’re never too far from the direct look of billboards. The reporter has to snag the viewer, and one way to do it is privileging the surface.

It’s easy to read in another respect. Homer presents us with three Southern types: the reckless, arrogant Confederate cavalier, a Johnny Depp or James Dean type a bewildered old man and a poor, dumb country bumpkin, what Homer’s generation would have called a “Georgia cracker.” The cavalier caused the war, the bumpkin fought it, not knowing any better, and the old man reflects the desperation of the Confederacy in its dying days when it took everyone and anyone. He might have been a farmer or shopkeeper who became part of the Confederate supply chain. His best days are behind him, and that doesn’t say much that’s positive about the post-war South.

The Union soldier at the right is Francis Barlow, at age 30 a major general, fighting in a dozen battles, among them Gettysburg and Antietam. He was one of a handful of Union soldiers to start the war as an enlisted man and end it as a general. Homer was a fine figure painter and could paint very good portraits. Portraits are rare in his work, though. He didn’t want to go on the treadmill of painting the rich.

Barlow’s portrait shows Homer’s considerable prowess. Barlow was first in his Harvard class academically when he enlisted. He came from a newspaper background himself, working for the Tribuna de Nueva York as an in-house counsel before the war. He was the war’s Audie Murphy, not quite as decorated and not a movie star, but a soldier often profiled in the press as both gentle and tough, honest, smart, and having no airs. He was the model WASP.

The show positions Barlow and the cavalier-type as modeling “a spirit of civil exchange and peaceful reconciliation, symbolizing the resilience of republican democracy.” I don’t agree with this. Our swaggering badass is indeed in the middle of the composition, giving him some primacy, but it’s a primacy driven by troublemaking. The cavalier class in Virginia and South Carolina especially — entitled, rich, narcissistic, and arrogant — dragged the South into the war and ruin. Barlow is shown in profile, looking like a Roman statue. A single Barlow — intelligent, cool, dignified, and commanding — was enough to best three Confederates. Homer chose to depict the famous Barlow as the symbol of the Union, with the three anonymous types representing the Confederacy, as if defeat deprived them of individuality.

I doubt the three Confederates were contemplating “civil exchange and peaceful reconciliation.” The South at the end of the war was flattened and surly. The widows of Ulysses S. Grant and Jefferson Davis might have taken tea and carriage rides together in New York in the 1880s, but broad reconciliation was in the air only for the 15 minutes it took Lincoln to deliver his Second Inaugural Address in 1865. The old man looks terrified and wants the earth to swallow him. His backwater colleague doesn’t look capable of thinking high fallutin’ ideas. The impudent buck seethes with unapologetic resentment.

I see the painting as celebrating hegemony, done in a reportorial style that Homer adapted to the realm of painting, enlarging it and indulging in the luxury of details such as specific regimental colors and uniforms. It’s Barlow who looks as though he has a future in this scenario, and he did. Later, he was the prosecutor who broke the Boss Tweed machine in New York.

This is the one quibble I have with an impressive, instructive show. It isn’t huge, but it’s intellectually rich and nicely organized in discrete, compact sections. It has a section on Civil War photography by artists other than Homer. Today, we know Matthew Brady’s powerful scenes of battlefield dead, but in the 1860s these images were not widely seen. Photography was too much of a niche medium. In any event, the federal government practiced extensive censorship of war news. Homer, as much as he was a documentarian, almost never showed the violence of war, but he rarely depicted jingoist valor, either. His scenes from the front cover the boredom of camp life, snappy uniforms, and, rarely, the confusion of battle.

Army of the Potomac — A Sharpshooter, from 1862, is the exception. Sharpshooters were part of many warring armies, but the Civil War was the first in which they were an organized, specialized part of the military. They were still controversial because they drained warfare of valor and courage. They were stealth fighters, picking the enemy off without a good fight. They reduced soldiers to the status of hunted animals. A soldier on the front could never feel safe if sharpshooters were in the neighborhood. When they were captured, sharpshooters weren’t treated as prisoners of war. They were routinely shot. Homer gives us close to an eyewitness view by putting us in the tree with the sharpshooter as he pulls the trigger. It’s a frightening image of brutal, sudden, anonymous death and, for Homer and every other war artist in the Civil War, a unique scene.

There’s good material on Homer’s illustration process. He started with drawings, then sent them to Harper’s printshop, which employed something approaching an assembly line to engrave the drawings on wooden blocks and later transfer them to metal plates suitable for mass reproduction.

The Fogg is one of the great museums in the country. Its collection is stupendous. I don’t hate its renovated building, which reopened a couple of years ago, since it’s impossible to wreck the home of so many great things, and it’s certainly modernized. The Fogg is what people call the Harvard Art Museums, once three separate museums now combined into one with a great new art-conservation lab. It’s been “Renzoed,” via an obscenely expensive, $450-million renovation designed by Renzo Piano. There was no reason — aside from ego — to hire a glamorous, expensive Italian architect to design what was almost entirely an interior revamp. The museum was almost totally closed to the public for five years, which is inexcusable. Access to Harvard students was so limited that, in effect, thousands came and went having little meaningful contact with the museum.

The Fogg was an old-time gothic-revival-meets-beaux-arts space, an accretion of odd but attractive old academic fads like sunken spaces and pilasters and friezes where you’d least expect them. I liked the idiosyncratic look, part comfy, part ratty, and part elegant. Renzo made it look like every other museum, which means it looks like a hospital. At least it’s light-filled, which is nice. Galleries for German art — one of the three museums was dedicated to that school — look good. Permanent-collection galleries are almost entirely painted white, which works for some things like ancient art but is otherwise a killer, especially in Old Master paintings galleries. I hope the wall colors aren’t Renzo-required.

The project was many years in the making, one reason it grew into a money pit. One idea, an entirely new site on the Charles River, was abandoned after a neighborhood furor. The building in this iteration was fraught with problems, leading to many delays. The financial crisis in 2008 caught Harvard in some endowment and capital-campaign shenanigans. I believe this slowed fundraising. During the time the museum was closed, the entire curatorial team was restructured and right-sized. This was good, since the Fogg had too many curators, but the changes contributed to a miserable mood at the place.

This has changed. It’s ruled by a new director, Martha Tedeschi, who has many things in her favor. She’s a print curator, which means she’s absorbed a zeitgeist of humility that’s refreshing at Harvard. Print curators experience endless slights because of the primacy of painting curators, but they’re often the finest connoisseurs, and I’ve met few who are prima donnas. She is a warm, reassuring presence. She was the print curator at the Art Institute of Chicago for years, a very functional place, and didn’t go to Harvard. Harvard, I know, is many different places but insularity is an easy ailment to acquire among Harvard natives.

The Fogg, like every department at Harvard, does its own fundraising. It’s a type of academic financing called “each tub on its own bottom.” During a big school-wide capital campaign, Harvard’s central fundraising office will help its constituents, but for operations — basically, supporting the annual budget — you’re on your own. I suspect that the Fogg’s new director has an enormous fundraising burden. Now that the Fogg has a revamped building, solving a decades-long menu of infrastructure problems, I doubt the central Harvard money machine will lift a finger to help the Fogg. The Fogg is considered done and no longer at the head of any lines.

I’m not sure how much of the Fogg’s fundraising went to meet the $450 million target for the Renzo project, how unexpectedly expensive it is to run this big boutique building where much is customized, or how much endowment money actually came in to support future operations. My impression from colleagues at the Fogg and Harvard is that it’s an unusually uneasy money moment. There’s nothing Tedeschi can’t handle. She’s the real thing. Donors will love working with her. Everything about her is quality.

The place has a newly positive spirit. The shows are good. Students are obviously much involved in the museum. That wasn’t always the case. With a permanent collection of 250,000 objects, the Fogg doesn’t need to do big loan shows. With the excellent Homer show and the other good permanent collection shows there, and a fantastic collection, it’s a joy to see the Fogg back in business.


Winslow Homer


Winslow Homer was an American landscape painter and printmaker, best known for his marine subjects. He is considered one of the foremost painters in 19th century America and a preeminent figure in American art.

Largely self-taught, Homer began his career working as a commercial illustrator. He subsequently took up oil painting and produced major studio works characterized by the weight and density he exploited from the medium. He also worked extensively in watercolor, creating a fluid and prolific oeuvre, primarily chronicling his working vacations.

Some major artists create popular stereotypes that last for decades others never reach into popular culture at all. Winslow Homer was a painter of the first kind. Even today, 150 years after his birth, one sees his echoes on half the magazine racks of America. Just as John James Audubon becomes, by dilution, the common duck stamp, so one detects the vestiges of Homer's watercolors in every outdoor-magazine cover that has a dead whitetail draped over a log or a largemouth bass, like an enraged Edward G. Robinson with fins, jumping from dark swamp water. Homer was not, of course, the first "sporting artist" in America, but he was the undisputed master of the genre, and he brought to it both intense observation and a sense of identification with the landscape-just at the cultural moment when the religious Wilderness of the nineteenth century, the church of nature, was shifting into the secular Outdoors, the theater of manly enjoyment. If you want to see Thoreau's America turning into Teddy Roosevelt's, Homer the watercolorist is the man to consult.

The Homer sesquicentennial (he was born in 1836 and died in 1910) is being celebrated with "Winslow Homer Watercolors," organized by Helen Cooper at the National Gallery of Art in Washington, D.C. Her catalogue is a landmark in Homer studies. It puts Homer in his true relationship to illustration, to other American art and to the European and English examples he followed, from Ruskin to Millet its vivacity of argument matches that of the oil paintings. Cooper has brought together some two hundred watercolors-almost a third of Homer's known output. It is a wholly delectable show, and it makes clear why watercolor, in its special freshness and immediacy, gave Homer access to moments of vision he did not have in the weightier, slower diction of oils.

"You will see, in the future I will live by my watercolors," Homer once remarked, and he was almost right. He came to the medium late: he was thirty-seven and a mature artist. A distinct air of the Salon, of the desire for a "major" utterance that leads to an overworked surface, clings to some of the early watercolors-in particular, the oil paintings of fisher folk he did during a twenty-month stay in the northern English coastal village of Cullercoats in 1881-82. Those robust girls, simple, natural, windbeaten and enduring, planted in big boots with arms akimbo against the planes of sea, rock and sky, are also images of a kind of moralizing earnestness that was common in French Salon art a century ago. Idealizations of the peasant, reflecting an anxiety that folk culture was being annihilated by the gravitational field of the city, were the stock of dozens of painters like Paul Cezanne, Van Gogh, Manet and Claude Monet. Homer's own America had its anxieties too - immense ones. Nothing in its cultural history is more striking than the virtual absence of any mention of the central American trauma of the nineteenth century, the Civil War, from painting. Its fratricidal miseries were left to writers (Walt Whitman, Stephen Crane) to explore, and to photographers. But painting served as a way of oblivion - of reconstructing an idealized innocence. Thus, as Cooper points out, Homer's 1870s watercolors of farm children and bucolic courtships try to memorialize the halcyon days of the 185os the children gazing raptly at the blue horizon in Three Boys on the Shore, their backs forming a shallow arch, are in a sense this lost America. None of this prevented Homer's contemporaries from seeing such works as unvarnished and in some ways disagreeable truth. "Barbarously simple," thought Henry James. "He has chosen the least pictorial features of the least pictorial range of scenery and civilization as if they were every inch as good as Capri or Tangier and, to reward his audacity, he has incontestably succeeded."

In the 1880's he moved to Prout's Neck, Maine and began painting scenes of the sea and coast. It is interesting to note the contrast in the subject matter of his work. His early work captured the horror of the Civil War, and towards the end of his life, his work captured the peace and serenity of the Maine Coast. Winslow Homer died on September 29, 1910.


Winslow Homer

Winslow Homer, about 1907. Macbeth Gallery records, 1947–1948. Archives of American Art, Smithsonian Institution.

Winslow Homer, one of the most influential American painters of the nineteenth century, is known for his dynamic depictions of the power and beauty of nature and reflections on humanity’s struggle with the sea. A keen observer of the world around him, Homer likewise experimented with color, form, and composition, pushing his landscapes and genre pictures in modern directions. Raised in Massachusetts, he apprenticed in a lithography shop in Boston in the mid-1850s and soon secured work as a freelance illustrator. Relocating to New York, he undertook assignments for Harper's Weekly , among other journals, and enrolled in drawing classes at the National Academy of Design.

During the Civil War, Harper's Weekly sent Homer to the front, where he made drawings of Union battlefields , camps, and military hospitals that appeared as wood engravings in the widely circulated publication. Homer also took up painting during his time as an artist-correspondent. After the war, he focused on oil painting, working in New York and also traveling to France in 1866–67. Over the following decade, Homer painted scenes of leisure set in nature, such as the White Mountains in New Hampshire and the Adirondacks in upstate New York. He also spent his summers visiting New England fishing villages , discovering new subjects that had a profound effect on his career.

In 1881, he spent more than a year in the small fishing village of Cullercoats, England. This extended stay in the seaside community catalyzed a new, enduring interest in humankind’s age-old contest with nature, rendered in larger-scale compositions with more monumental figures and forms. In the summer of 1883 Homer moved to the coastal village of Prouts Neck, Maine, which remained his home for the rest of his life. There, he observed the shoreline in various weather conditions and seasons, creating his great seascapes, such as the iconic work The Herring Net . Amid the remote and dramatic landscape, he depicted views void of human life, focusing instead on an emotional response to nature, as in Coast of Maine .

Late in his career, during visits to the Bahamas, Bermuda, Cuba, and Florida, Homer applied his sophisticated understanding of color and light to a new set of atmospheric conditions, most spectacularly in his watercolors, such as After the Hurricane, Bahamas .

The Art Institute’s collection of works by Winslow Homer spans his career. The artist’s works on paper were featured in the 2008 exhibition Watercolors by Winslow Homer: The Color of Light.


Winslow Homer - History

"A SHARP-SHOOTER ON PICKET DUTY"

Winslow Homer's Famous Civil War Wood Engraving

Offered here is an original wood engraving of Winslow Homer's "The Army of the Potomac - A Sharp-Shooter On Picket Duty" published in 1862! It will come to the buyer nicely matted and in a protective plastic enclosure. This is a wonderful example of Homer's work that is much in demand by both Homer and Civil War collectors. See the example and explanation in the National Gallery of Art's collection.

When Winslow Homer made the transition from illustrator to the medium of watercolors the first image he chose to paint was the Sharpshooter, which is shown above. The wood engraving offered is based on but a little different from the watercolor executed earlier in 1862 (e.g. the addition of the canteen and a clearer focus on the face of the marksman) and in many ways provides clearer details.

In "Echo Of A Distant Drum: Winslow Homer and the Civil War" by Julian Grossman (New York, 1974) the author says of the wood engraving:

The wood engraving presents a bold and beautiful design. In effect it glamorizes the war. The sharpness of the solder's eye and the accuracy of his air are heroized in this composition. He is seen from surprisingly close up, as if the viewer were sitting on a nearby limb. The marksman's target is not seen, but we know that the glistening gun barrel is aimed at another American.

In a way the mass scenes do not, this single large figure somehow brings home the peculiar horror of the Civil War.

The sharpshooter is perched high in the tree. The warm beauty of the needles, cones, and bark is juxtaposed to the cold, man-made reality of the means of war.

The Philadelphia Print Shop has offered the same Homer engraving for $750, but neither they nor New York's Old Print Shop currently have one for sale.

Pay securely with credit card through PayPal by clicking the button below



Comentarios:

  1. Graent

    Las discusiones siempre son buenas, pero recuerde que no se pueden confiar en todas las opiniones. A menudo en temas muy serios y complejos, los comentarios son insertados por niños, a veces conduce a un callejón sin salida. Sin duda, sucede que los mismos escolares pueden dar buenos consejos. Pero esta es más la excepción que la regla.

  2. Mathani

    ¡Muy bien! Creo que esta es una gran idea. Estoy completamente de acuerdo contigo.

  3. Diji

    Esta magnífica frase, por cierto, está cayendo



Escribe un mensaje