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Museo de Victoria y Alberto

Museo de Victoria y Alberto


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El Victoria and Albert Museum, más conocido como V&A, es el principal museo de arte y diseño del mundo. Alberga una colección permanente de más de 2,3 millones de objetos que abarcan más de 5.000 años de creatividad humana.

Historia del Victoria and Albert Museum

Orígenes: El V&A se fundó en mayo de 1852 con la misión de educar a los diseñadores, fabricantes y al público en el arte y el diseño. Sus orígenes se encuentran en la Gran Exposición de 1851, la primera muestra internacional de diseño y fabricación del mundo.

Después de la Exposición, su creador, el Príncipe Alberto, vio la necesidad de mantener y mejorar los estándares de la industria británica para competir en el mercado internacional. Instó a que sus ganancias se canalizaran hacia el desarrollo de un distrito cultural de museos dedicados a la educación artística y científica, de los cuales el V&A fue el primero.

Inicialmente conocido como el Museo de Manufacturas y ubicado en Marlborough House en Pall Mall, el museo fue transferido a Somerset House más tarde ese año, luego se mudó a su hogar actual en Exhibition Road en 1857. Durante más de 40 años fue conocido como South Kensington. Museo, pero luego fue rebautizado en honor a la Reina Victoria y el Príncipe Alberto en mayo de 1899 para conmemorar el papel de Alberto en su establecimiento. En la que iba a ser su última ceremonia pública, la reina Victoria colocó la primera piedra.

Museo para todos: En 1858, las aperturas nocturnas fueron posibles gracias al uso de iluminación de gas. Se trataba de “conocer prácticamente qué horarios son los más convenientes para las clases trabajadoras”, según su primer director, Henry Cole, quien también declaró que el museo debería ser un “aula para todos”.

Cole también instigó el concepto de un restaurante de museo para alentar a la gente a venir y disfrutar de la cultura, habiendo aprendido sobre las necesidades de los visitantes mientras administraba la Gran Exposición. Así, el V&A tuvo el primer café museo del mundo.

Tiempo de guerra: Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, la mayor parte de la colección de V&A se envió a una cantera en Wiltshire, a Montacute House en Somerset oa un túnel cerca de la estación de metro de Aldwych por razones de seguridad. Quedaron artículos más grandes, embolsados ​​con arena y tapiados.

Algunas galerías se utilizaron como escuela para los niños evacuados de Gibraltar, y el South Court se convirtió en una cantina para la Royal Air Force y más tarde para los escuadrones de reparación de daños por bombas; el museo en sí solo recibió daños menores por bombas.

Después de aparecer en la exposición Britain Can Make It de 1946, en 1948 la mayoría de las colecciones habían sido devueltas.

De la posguerra: En julio de 1973, el V&A se convirtió en el primer museo de Gran Bretaña en presentar un concierto de rock para animar a los jóvenes a visitar los museos.

El museo se embarcó en un importante programa de renovación de 150 millones de libras esterlinas en 2001 llamado "FuturePlan", para garantizar que las exhibiciones se exhibieran mejor y cumplieran las expectativas modernas para las instalaciones del museo.

Victoria and Albert Museum hoy

Un nuevo proyecto de Exhibition Road Quarter se inauguró en junio de 2017, proporcionando 6.400 metros cuadrados de espacio adicional, la mayor expansión del museo en más de 100 años. Incluye una nueva entrada en Exhibition Road, un patio con azulejos de porcelana (The Sackler Courtyard) y un nuevo espacio de galería subterráneo de 1.100 metros cuadrados (The Sainsbury Gallery).

En marzo de 2018, se anunció que la duquesa de Cambridge se convertiría en la primera mecenas real del museo.

El museo alberga muchas de las colecciones nacionales del Reino Unido y algunos de los mayores recursos para el estudio de arquitectura, mobiliario, moda, textiles, fotografía, escultura, pintura, joyería, vidrio, cerámica, artes del libro, arte y diseño asiático, teatro y representaciones. .

Al igual que con otros museos nacionales británicos, la entrada es gratuita, aunque algunas exposiciones y eventos tienen un cargo adicional.

Llegar al Victoria and Albert Museum

El V&A está en South Kensington, Londres. Las estaciones de metro más cercanas son South Kensington (5 minutos a pie), Gloucester Road (10 minutos a pie) o Victoria Station (35 minutos a pie). Alquiler de bicicletas está disponible en Exhibition Road y Thurloe Place, y varias rutas de autobús paran en el museo.


10 cosas para ver en el Victoria and Albert Museum

Elegir solo 10 cosas para ver en el Victoria and Albert Museum no es una tarea fácil, dada la larga lista de obras de arte que se pueden encontrar en este inusual museo. Mientras que para otros museos & # 8211 como el Museo Británico & # 8211 hay elementos únicos e imperdibles que se pueden encontrar en las listas de todos, en el caso del V & ampA (como se llama comúnmente al Victoria and Albert Museum), todos tienen su propia lista personal. De hecho, a diferencia de otros museos de Londres, el Victoria and Albert Museum cubre una gama extremadamente diversa de artes. En el V & ampA no encontramos solo objetos de arte típicos como pinturas o esculturas, sino también objetos de uso cotidiano, como muebles o ropa y joyas.

Además, las obras expuestas provienen de muchos países diferentes, por lo que puede imaginarse fácilmente lo difícil que es seleccionar una lista que represente bien V & ampA.

¿Cómo es que V & ampA tiene un surtido tan extenso?

El V & ampA se inauguró en 1852, en un momento en que Londres era en todos los sentidos el centro geográfico y político del mundo. El enorme éxito de la Exposición Universal que se celebró el año anterior había empujado al Príncipe Alberto a crear una especie de exposición permanente de objetos de arte, para que la gente pudiera admirarlos en un contexto único para siempre.

Así es como se creó V & ampA y, como resultado, se convirtió no solo en un museo temático, sino en un maravilloso contenedor de objetos. Y el edificio en sí también puede considerarse una verdadera maravilla arquitectónica. Es difícil encontrar otro museo que se pueda comparar a V & ampA, con su laberinto de pasillos y galerías, su colección de arte y diseño. Para disfrutarlo al máximo, el V & ampA merece ser visto más de una vez, para familiarizarse con la difícil distribución de sus obras maestras. Pero no todo el mundo tiene la oportunidad de hacerlo, por lo que una lista de cosas para ver en el V & ampA puede ser incluso más útil aquí que en cualquier otro museo de Londres.


El Victoria and Albert Museum: cosas que el Imperio Británico robó al resto del mundo

Es broma, algo así. Estoy seguro de que los británicos han comprado la mayoría de los artículos del museo, aunque sería interesante descubrir cuáles se han regalado y cuáles se han llevado.

El Victoria and Albert Museum, como la mayor parte de Londres, es un laberinto complicado con una sorpresa en cada esquina y lleno de pies a cabeza con diversas historias y culturas. Una de las principales exhibiciones allí fue Club to Catwalk London Fashion en la década de 1980, que mostró las principales tendencias de la moda de Inglaterra a lo largo de la historia, comenzando con vestidos de la época victoriana y terminando con, bueno, la moda de los años 80. Debido a la gran exhibición de moda, había un grupo de estudiantes de secundaria tomando fotos de moda de extraños para un proyecto (tienen horarios escolares diferentes a los de Estados Unidos). Como estaba luciendo un nuevo mono de la tienda mágica de Primark, ¡me pidieron dos veces que fuera modelo! ¿Quién podría discutir con los adorables escolares británicos pidiéndote que modeles tu jersey?

Volviendo al lado educativo del museo, los países y períodos de tiempo dividieron el resto del museo. Uno de mis favoritos personales fue la exhibición de Medio Oriente debido a su contraste con el arte tradicional europeo, que hemos estado viendo mucho desde que llegamos aquí. Los artefactos del Medio Oriente eran brillantes, audaces, con patrones dramáticos, mostrando su uso único del color y la textura. Tenía un aspecto mucho más marroquí, incluso a la altura de los estándares decorativos modernos, en comparación con el arte tradicional italiano y la simplicidad británica que nos rodeaba.

Esto es parte de una exhibición en el Victoria and Albert Museum.

El museo contenía muchos artículos enormes, como una pared que solía estar en el exterior del edificio, que el museo simplemente construyó para mantenerla adentro. Además, había muchas réplicas de tamaño natural, incluido un pilar griego, realizadas por estudiantes de arte a lo largo de los siglos que se han conservado en la seguridad del museo. Estos gigantes fueron geniales para nosotros porque nos permitieron ver artefactos asombrosos sin tener que viajar a los lugares específicos de donde eran los originales. En general, el Victoria and Albert Museum nos ayudó a los viajeros a corto plazo a experimentar el mundo en un lugar alucinante y tranquilo.


Colección V & ampA Wedgwood

La colección V & ampA Wedgwood es una de las colecciones industriales más importantes del mundo y un récord único de más de 260 años de producción de cerámica británica. Propiedad de V & ampA luego de una exitosa campaña de recaudación de fondos encabezada por Art Fund, se exhibe en Barlaston, Stoke-on-Trent, donde un programa público imaginativo celebra la diversidad, creatividad y profundidad de la colección, dentro de su contexto local de North Staffordshire. , conocido como The Potteries.

Wedgwood fue fundada en 1759 por el ceramista y empresario británico Josiah Wedgwood, quien ayudó a transformar la cerámica inglesa de una artesanía artesanal en una forma de arte e industria internacional. La familia y el negocio de Wedgwood tenían un agudo sentido de su lugar en la historia y comenzaron a coleccionar artículos y diseños ya en el siglo XVIII. Un museo ha existido desde 1906, primero en el sitio de la fábrica Etruria y luego desde 1952 en Barlaston. Un museo de nuevo diseño inaugurado en 2008, ganó el premio Art Fund Museum of the Year en 2009. Alberga la mejor colección de material de Wedgwood que documenta la producción hasta el día de hoy, mostrando innovaciones en el gusto y la moda durante tres siglos.

Bandeja Wedgwood de Jasper Trials. © Fiskars

La colección V & ampA Wedgwood comprende más de 165.000 obras de arte, cerámicas, manuscritos y fotografías que trazan la historia, los diseños y la producción de cerámica de la fábrica. Se guardó para la nación y se regaló a V & ampA en 2014 luego de un importante llamamiento público organizado por Art Fund, generosamente apoyado por miles de personas, empresas y fundaciones que otorgan subvenciones, incluido un importante apoyo del Heritage Fund y Art Fund.

Jarrón Wedgwood Portland. © Fiskars

Alrededor de 3.500 objetos están en exhibición en el museo construido especialmente, que muestra la historia comercial y estética de la cerámica Wedgwood, desde icónicos jasperos y jarrones y adornos de basalto negro, hasta juegos de té de porcelana china y diseños clásicos del siglo XX. Los puntos destacados de la colección incluyen los primeros experimentos de Wedgwood en crema y jasper, la copia de Wedgwood del jarrón Portland, el retrato de la familia Wedgwood de 1780 de George Stubbs y los primeros ejemplos del medallón que Wedgwood produjo para apoyar la causa abolicionista. El museo traza la historia de Wedgwood a través de modas cambiantes de cerámica rococó a neoclásica junto con ejemplos de colaboraciones pioneras de Wedgwood con artistas y diseñadores desde John Flaxman hasta Eduardo Paolozzi. Las colecciones y los archivos reconocidos por la UNESCO exploran la historia de la familia Wedgwood, desde el genio creativo del fundador Josiah Wedgwood, empresario pionero y activista social, hasta notables descendientes de Wedgwood tanto dentro como fuera de la fábrica, del naturalista Charles Darwin (1809-1882). ) al compositor Ralph Vaughan Williams (1872-1958), y su contexto cultural más amplio.

Segundo libro de patrones de Wedgwood, alrededor de 1811. © Fiskars

Obtenga más información sobre la colección V & ampA Wedgwood, nuestras actividades y programa siguiéndonos: @vawedgwood.


Edificios y proyectos 1873 – c. 1886

La partida de Cole en 1873 reveló que Scott era menos favorable que su antiguo jefe a la contratación de estudiantes en el edificio, lo que ciertamente tenía sus desventajas. En 1872, Moody había hecho discernible una virtud de la creciente competencia en las sucesivas contribuciones de los estudiantes a la escalera de cerámica y las habitaciones 100-1, aceptando tácitamente que el trabajo anterior expuesto no era excelente. (nota 279) Poynter, como director de arte, era más favorable que Scott al empleo de los estudiantes, pero en 1879 tuvo que admitir que su uso menos frecuente a finales de los setenta había reducido el número de personas competentes para realizar el trabajo. (nota 280) Scott también era quizás menos favorable que Cole a la escuela de decoración de Sykes, (nota 281) y es probablemente cierto que hubo una tendencia a que la picardía del modelaje derivada de Stevens se volviera exagerada en su obra posterior. discípulos: el propio Cole había tenido últimamente reservas sobre la inclinación de Townroe a la caricatura. (nota 282) En 1869 Scott había querido que Gamble y Townroe refrescaran su inspiración en Italia en lugar de seguir usando los diseños de Sykes y en 1874 Gamble fue descartado por el momento: (nota 283) Townroe, sin embargo, retuvo la de Scott (nota no correspondida ) estima como artista decorativo.

Durante 1874, Scott estaba preparando modelos revisados ​​para la finalización del museo a un costo de £ 500,000, alentado por la decisión del Ministro de Hacienda de Disraeli, Sir Stafford Northcote, en julio de que debería ser 'de una manera acorde con su propósito y contenido '. (Nota 284) Este modelo de «500 000 libras esterlinas», en el que los paneles decorativos de Townroe volvieron a ser prominentes, fue admirado por James Fergusson (Lámina 19b, fig. 4 de la hoja A en el bolsillo del extremo). (Nota 285) En comparación con el modelo de 1869-1870, redujo aún más el patio de entrada y, tal vez inevitablemente, a Cole le gustó menos, pensando que era "como un cuartel", "como una calle" y "no monumental". (nota 286) La preparación de dibujos de trabajo se autorizó en agosto de 1875, pero a principios de 1876 el gobierno pospuso la finalización del museo, y en julio sólo se autorizó un plan más limitado, que costaba 80.000 libras esterlinas en tres o cuatro años. 1876. (nota 287) Las dificultades económicas y extranjeras desviaron los recursos del Tesoro a otra parte, y no fue hasta principios del verano de 1879 que comenzaron las obras. (nota 288)

La gama Art Library

Se agregó un piso al área de oficinas en el lado este, (nota 289), pero el trabajo principal fue construir el lado sur del cuadrilátero (ahora Habitaciones 21A-25 en la planta baja), y las Habitaciones 41 y 45 extendiéndose hacia el sur: las últimas habitaciones al principio albergaban la biblioteca de ciencia y educación y los moldes antiguos, respectivamente. En el techo de las Salas 22-24 se exponen vigas entre paneles decorativos. Desde la habitación 21A, una escalera, que Aston Webb quitó más tarde, se elevó a la actual habitación 74A, y desde la habitación 25 otra sube a la gran biblioteca de arte que llena el lado sur del cuadrilátero en el primer piso (y ocupa los únicos apartamentos considerables en que el museo tenga luz de norte, Lámina 22a). Los nuevos edificios fueron construidos por Perry and Company of Stratford. (nota 290) Eran sencillas en el lado sur, y la decoración de la biblioteca y de la escalera de la biblioteca de Townroe era menos rica de lo que había pretendido, aunque la Oficina de Obras (a la que no le gustaban sus detalles) pensó que Scott había permitido él demasiada libertad. (nota 291) El frente del cuadrilátero, con paneles de figuras de mosaico de Townroe, (nota 292) copiaba el estilo establecido por Fowke y Sykes en los lados oeste y norte, pero con un tono más crudo y escarlata en la terra. -cotta. El techo, además, solo fue de pizarra, no de baldosas, y Cole, en una de sus últimas visitas al museo, deploró "pruebas de mezquindad". (Nota 293) La obra se terminó en 1884 a un costo de unas 65.000 libras esterlinas. (nota 294)

El Departamento y la Oficina de Obras

Gladstone había regresado al poder en 1880. Su jefe del Comité de Educación, AJ Mundella, simpatizaba con 'South Kensington', pero el Primer Comisionado de Obras, GJ Shaw-Lefevre, era hostil al Departamento y apoyaba las restricciones de la El topógrafo principal de la oficina, Sir John Taylor, sobre algunas características del techo de la biblioteca de Scott. (nota 295) Shaw-Lefevre insistió en la capacidad de la Oficina para completar el museo, y la oficina de arquitectura independiente en South Kensington fue abolida en marzo de 1882: (nota 296) las dificultades en el Museo de Historia Natural pueden haber fortalecido la idea de Shaw-Lefevre desea controlar la construcción de museos en ese momento. Scott murió al año siguiente.

Taylor se encargó de diseñar las vitrinas y las estanterías para la biblioteca de arte. Con respecto al trabajo adicional, los planes de finalización de Scott fueron declarados insatisfactorios por Shaw-Lefevre y Taylor, en parte por el extraño motivo de que no estaban en armonía con el admirado edificio Huxley diseñado por la propia oficina de Scott. (Nota 297) En 1883, Shaw-Lefevre logró bloquear una votación parlamentaria de fondos para la construcción adicional, autorizada por el Tesoro en 1882. (Nota 298) Para 1885 Taylor había preparado algunos esquemas alternativos, pero estos fueron tal vez sin intenciones muy serias, y en 1885-186 el Tesoro rechazó gastos adicionales a favor de los edificios del Almirantazgo, la Oficina de Guerra y la Oficina General de Correos. (nota 299)

Algunos trabajos continuaron siendo ejecutados por estudiantes de la Escuela Nacional de Formación Artística en los años ochenta. Por ejemplo, decoraron el techo y las paredes del pasillo de la sala de refrescos en 1885-186 con diseños de Hugh Stannus (anteriormente uno de los asistentes de Stevens): el costo estimado era de £ 200 en comparación con las £ 1,150 por las que Moody había licitado para el trabajo. en 1879 (nota 300).

Detrás de la renuencia a que continuaran las obras de construcción a gran escala, sin duda, se sentía una desconfianza en Whitehall del establecimiento de South Kensington. (Nota 301) Sin embargo, otra causa fue la incertidumbre acerca de la ubicación final de las diversas colecciones que habían llegado a parecer periféricas al exitoso papel del museo como, en general, una colección de "arte".

El futuro de las colecciones

En sus inicios, como hemos visto en el capítulo anterior, el abanico de temas reunidos para la ilustración en el museo del hierro era muy amplio. Esto les había parecido admirable a eruditos como Whewell, incluso si la 'apariencia alegre del museo a medio camino entre el Repositorio de la Sociedad Nacional y el Soho Bazaar' despertó el talento para ridiculizar a personas como BeresfordHope. (nota 302) Cole, en el espíritu del Príncipe Alberto (que había querido un "Museo de las Artes", no arte (nota 303)), trató de aferrarse al concepto de museo como en parte una colección comercial o industrial. En 1860 no le había asustado que una de las secciones más populares fuera la colección de alimentos diseñada para instruir al público 'qué es más barato y mejor para ellos comer', y en su definición del alcance de la colección de arte tenía, al menos cuando bajo interrogatorio parlamentario, fue muy utilitario en la tradición de 1851. Lo vio como una ayuda a las manufacturas, "especialmente a las manufacturas de arte ornamental". (Nota 304) El 'museo de la construcción' bajo Fowke era una sección activa, que mostraba y probaba los productos de los fabricantes para la industria de la construcción de una manera anticipada a los desarrollos del siglo XX. (nota 305)

Al mismo tiempo, Cole mantuvo vivo desde su pasado radical un enfoque ampliamente "humano" que funcionó contra cualquier limitación excesiva del alcance del museo. Su informe departamental de 1858 deleitó en las inauguraciones vespertinas, cuando “el trabajador llega al Museo de Kensington acompañado de su esposa e hijos. Las miradas de sorpresa y placer de todo el grupo cuando observaron por primera vez la brillante iluminación dentro del Museo muestran qué nueva, aceptable y saludable emoción les brinda a todos este entretenimiento nocturno ”. (Nota 306) Es posible que algún elemento sobreviviente de esta tradición todavía contribuya a la actitud positiva del museo hacia su público, aunque llevó al propio Cole a pronunciamientos que ahora no serían aprobados por un director de museo. (nota 8)

Sin embargo, J. C. Robinson ejerció una fuerte influencia, hasta 1863, el guardián de la colección de arte ornamental. Sentía un gran desprecio por el "caos de mezcla heterogénea" de las otras colecciones y estaba encantado de que la exposición cautelosa de Cole de manufacturas mal diseñadas en Marlborough House pronto hubiera sido "discretamente desmantelada". (nota 308) Como hemos visto, Robinson aplicó su habilidad como conocedor de la obra de finales de la Edad Media y del Renacimiento, particularmente la italiana, para fundar gran parte de la fuerza del museo en ese campo. Las adquisiciones tanto de piezas de entendidos como de pinturas modernas ayudaron a abrir el alcance del museo hacia las 'bellas' artes, y en 1863 Beresford-Hope sugirió en el Revisión trimestral que el museo debería ser reconocido como 'el Museo Británico de arte posclásico', convirtiéndose en una colección ilustrativa de la historia del arte en lugar de directamente instructiva para los estudiantes de arte: sugirió que debería divorciarse de las escuelas de arte e ignorar cualquier papel como ayuda a los fabricantes y diseñadores industriales. (Nota 309) La dirección futura de las colecciones de arte fue de hecho tratada por un importante acta del Comité de Educación en ese momento (junio de 1863). Las colecciones debían limitarse generalmente al arte posclásico "aplicado a algún propósito de utilidad". Como restricción a las predilecciones del conocedor por Robinson, todos los períodos y regiones geográficas debían, dentro de esa limitación, estar representados adecuadamente. (Robinson renunció rápidamente, para convertirse hasta 1867 en el 'árbitro de arte' del museo. (Nota 310)) La sugerencia de Robinson de que la adquisición de objetos modernos debería ser suspendida fue rechazada en 1865 (nota 311) pero algunas partes de las colecciones fueron ' deshierbaron los artículos aptos para su distribución en los museos locales (nota 312) y, en los años siguientes, ciertas secciones de la antigua mezcla se trasladaron a galerías al oeste de Exhibition Road o más lejos. (nota 9)

La tendencia del museo a finales de los setenta alarmó a Cole. No le faltaba nada de entusiasmo por las adquisiciones de arte decorativo. (De hecho, en 1868, quizás inspirado por el comienzo de los Cast Courts, en realidad había pensado en comprar la capilla Arena en Padua para el museo. (Nota 316)). Pero en 1880 se quejaba de que las compras recientes contenían 'una sobreabundancia de "Vírgenes y niños" italianos medievales ', y también que la antigua agrupación de objetos en el museo principalmente por'material y proceso'estaba subordinado a los requisitos de visualización. Bajo la renovadora influencia de Robinson, gran parte del arte decorativo moderno se había enviado a Bethnal Green y, en opinión de Cole, la función de "enseñar arte aplicado a la industria" se estaba subordinando al estudio de "lo arqueológico y lo" raro y curioso ". (nota 317) Hasta el último momento, las colecciones del Departamento en South Kensington eran muy variadas (lám. 57), pero a partir de 1889 se interrumpió la exposición de algunas, como el "museo de la construcción" y la "colección educativa". (nota 318)

A medida que las colecciones al este de Exhibition Road se concentraron más en el 'arte', el refinamiento y desarrollo de las otras colecciones en un 'museo de ciencia' atrajo una atención creciente, y en la década de 1880 el Tesoro encontró razones para la inacción en las deliberaciones de los comités sobre el futuro. de las colecciones científicas.

En 1886, el Departamento todavía esperaba la ejecución del diseño de Scott. (nota 319) Pero cuando en 1890 la congestión del museo finalmente indujo al ministro de Hacienda de Lord Salisbury, Goschen, a relevarlo, autorizó un concurso para un diseño completamente nuevo.


Esta mesa de laca tallada es de la dinastía Ming (1368-1644). Tiene una forma y una decoración únicas y es uno de los objetos más importantes del museo del período Ming.

Es uno de los pocos ejemplos sobrevivientes de muebles producidos en el & # 8216Orchard Workshop & # 8217, el taller de laca imperial establecido a principios del período Ming en el complejo & # 8216Forbidden City & # 8217 en Pekín, ahora Beijing.

La laca tallada se estaba utilizando en todas las superficies visibles de los muebles. La parte superior de esta mesa tiene el diseño imperial Ming con un dragón central y un fénix, que simbolizan al emperador y la emperatriz.

En el período Ming, el dragón se convirtió en un símbolo imperial, apareciendo en laca de los talleres imperiales para el uso de la corte o el uso del Emperador.

Inicialmente, la cabeza del dragón # 8217 se veía en el perfil tradicional, pero a mediados del siglo XV, el dragón & # 8220frontal & # 8221, visto con la cara completa.

La dinastía Ming fue la dinastía gobernante de China desde 1368 hasta 1644. La dinastía Ming fue también la última dinastía imperial de China gobernada por los chinos Han.

El fondo del relieve de la mesa era inicialmente amarillo, que contrastaba con el rojo de las capas superiores, pero ahora se ha desvanecido a un color oscuro.

Las patas y los bordes de la tapa están tallados con las & # 8220Flores de las Cuatro Estaciones & # 8221. El interior de los cajones es de laca roja lisa y el exterior y la parte inferior de la mesa en laca negra.

La mesa lleva la marca del reinado del emperador Xuande (1426-1435) y fue hecha para el Palacio Imperial.

Los dragones de cinco garras tallados en la superficie han sido mutilados al quitar una garra de cada pie, como se hacía a menudo cuando las piezas dejaban la propiedad imperial.

El dragón de cinco garras solo podía ser utilizado por el Emperador, con penas muy severas por abuso.

Algunas veces, los eunucos de la corte regalaban piezas imperiales o las llevaban los eunucos de la corte para venderlas en los mercados fuera de la Ciudad Prohibida.


Museo de Victoria y Alberto

Museo de Victoria y Alberto. Sin embargo, después del éxito de la Gran Exposición (1851), se estableció rápidamente un museo de manufacturas en Marlborough House, a pesar de mantener fuertes vínculos con las escuelas de diseño establecidas en la década de 1830 debido a la percepción de fallas en los estándares de diseño debido al impacto de la mecanización en la artesanía tradicional. , sus políticas de recaudación se volvieron cada vez más anticuadas. El primer director fue Henry Cole, un pionero de las relaciones públicas, que supervisó la construcción de edificios nuevos pero heterogéneos en South Kensington (inaugurado en 1857), un sitio sugerido por el Príncipe Alberto. El caos administrativo después de la jubilación de Cole finalmente llevó a la separación de las ciencias para su propio museo, y el nuevo edificio renombrado diseñado por Webb (imponente pero poco práctico) se completó en 1908. Los arreglos en líneas artesanales no cedieron a presentaciones cronológicas hasta después de 1948 , pero, comparado con & # x2018un bolso extremadamente espacioso & # x2019, el & # x2018V. & amp A. & # x2019 se ha convertido en un museo líder de arte decorativo en todo el mundo.

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JOHN CANNON "Victoria and Albert Museum". El compañero de Oxford para la historia británica. . Encyclopedia.com. 16 de junio de 2021 & lt https://www.encyclopedia.com & gt.

JOHN CANNON "Museo de Victoria y Alberto". El compañero de Oxford para la historia británica. . Obtenido el 16 de junio de 2021 de Encyclopedia.com: https://www.encyclopedia.com/history/encyclopedias-almanacs-transcripts-and-maps/victoria-and-albert-museum

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Museo de Victoria y Alberto

El Victoria and Albert Museum (V & ampA), ubicado en South Kensington, Londres, Inglaterra, es uno de los mejores museos de arte del mundo. Dedicado al arte decorativo y al diseño, cuenta con una vasta y diversa colección permanente de más de 6,5 millones de objetos. Establecido en 1852, y luego nombrado en honor a la Reina Victoria y su esposo el Príncipe Alberto, actualmente ocupa alrededor de 12.5 acres, que contiene unas 145 galerías.

La colección V & ampA, que abarca tanto las bellas artes como las artes aplicadas, abarca cinco milenios, desde las civilizaciones antiguas hasta el siglo XXI, y muestra la cultura y el patrimonio artístico de Europa, América, África del Norte y Asia. Los fondos de escultura, cerámica, vidrio, textiles, vidrio, herrería, plata, metales preciosos, joyas, muebles, objetos medievales, grabados, dibujos y arte fotográfico de V & ampA se encuentran entre los mejores y más completos del mundo. Los aspectos más destacados de la colección V & ampA incluyen la mayor colección de esculturas posclásicas del mundo, la mejor colección de obras de arte de Asia oriental en Europa y una colección de arte islámico que se ubica junto a la del Louvre (París) y el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York). ) como el más grande del mundo. El museo también contiene las colecciones nacionales de miniaturas británicas, acuarelas y obras de plateros ingleses, así como el mayor conjunto de imágenes de John Constable. Junto con otras 17 galerías y museos en toda Europa y la región mediterránea, el V & ampA está participando actualmente en un proyecto en línea titulado Discover Islamic Art. Para obtener más información sobre los principales espectáculos del V & amp A, consulte Art News Headlines.

ARTES VISUALES DEL ISLAM
Para colecciones de cultura musulmana,
ver: Museos de Arte Islámico.

EL MEJOR ARTE DEL MUNDO
Las mejores pinturas de la historia
Aceites, acuarelas, técnicas mixtas
desde 1300-presente.
Las mejores esculturas de la historia
Trabajos en piedra, bronce, madera
desde 33.000 a. C. hasta el presente.

Concebido por el Príncipe Alberto, el V & ampA surgió de la Gran Exposición de 1851, cuyos beneficios se aplicaron a la compra de un sitio en South Kensington para albergar varios museos y universidades. Inaugurado en 1852 como Museo de Arte Ornamental, se instaló en su sitio actual en 1857.

En 1899, un nuevo edificio diseñado por Sir Aston Webb, e inaugurado por el rey Eduardo VII en 1909, fue fundado en el mismo sitio y pasó a llamarse Victoria and Albert Museum. Las colecciones científicas de la institución se transfirieron luego al cercano Museo de Ciencias. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, gran parte de la colección se trasladó a un sitio subterráneo cerca de la estación de metro Aldwych en el centro de Londres. Después de la guerra, en otoño de 1946, el museo acogió la exitosa exposición de diseño titulada Gran Bretaña puede hacerlo, en asociación con el Consejo de Diseño Industrial. En 1948, la mayoría de las colecciones de V & ampA habían regresado del almacenamiento y el museo reanudó su servicio normal. Desde entonces, bajo la dirección de figuras como Sir Roy Strong y Elizabeth Esteve-Coll, V & ampA ha lanzado una serie de campañas culturales bastante diferentes, ocasionalmente experimentales, diseñadas para dar a conocer su acervo de bellas artes y artes aplicadas. El nombre completo de V & ampA es ahora: El Victoria and Albert Museum, el Museo Nacional de Arte y Diseño.

El Victoria & amp Albert Museum se divide en seis departamentos básicos: (1) Asia. (2) Mobiliario, Textiles, Moda. (3) Escultura, Orfebrería, Cerámica, Vidrio. (4) Imagen de Word e amp. (5) Teatro y Performance. (6) Museo de la Infancia (Bethnal Green). Dentro de estos departamentos se encuentran las siguientes colecciones.

Arquitectura
En colaboración con el Royal Institute of British Architects, V & ampA ha abierto la primera galería permanente del Reino Unido que presenta la historia de la arquitectura, con exhibiciones de modelos, fotografías, elementos de edificios y dibujos originales. Incluye más de 600.000 dibujos, 750.000 artículos y 700.000 fotografías. Los arquitectos británicos cuyo trabajo aparece en la colección incluyen: Sir Christopher Wren, Nicholas Hawksmoor, Sir John Vanbrugh, William Kent, Inigo Jones, James Gibbs, Robert Adam, Sir William Chambers, James Wyatt, Henry Holland, John Nash, Sir John Soane , Sir Charles Barry, Charles Robert Cockerell, George Edmund Street, Richard Norman Shaw, Alfred Waterhouse, Sir Edwin Lutyens, Charles Rennie MacKintosh, Richard Rogers y Norman Foster, entre otros. Ver Arquitectura: Historia, Estilos.

islam
The V&A's collection of Islamic art includes such highlights as: the Ardabil Carpet, a 10th century Rock crystal ewer, numerous Qur'ans incorporating exquisite calligraphy, Iznik pottery, 14th century glasswork, an extensive collection of Middle Eastern and Persian rugs and carpets, and intricate mosaic art from Constantinople (Istanbul) and Samarkand.

South and South-East Asia
The V&A's holding of Asian art comprises some 60,000 objects, including about 10,000 textile items and 6000 paintings. Highlights include: an extensive collection of Hindu, Buddhist and Jain sculpture, Mughal art including portraits, drawings, jade wine cups, gold spoons, and exquisite textiles using gold and silver thread. See: India Painting & Sculpture.

China, Japan and Korea
This collection has over 70,000 works of art. Chinese highlights include: The T.T. Tsui Gallery of Chinese art (from the Tang, Ming and Qing Dynasties) featuring Chinese lacquerware, ancient ceremonial bronzes, Chinese pottery, types of porcelain, jade carving, as well as cloisonné enamelling, and silk watercolour paintings. Highlights of the museum's collection of Japanese art include a 13th-century sculpture of Amida Nyorai, Japanese 19th century armour, steel sword blades, Suzuki Chokichi's bronze incense burner, lacquerware, porcelain including Imari, Netsuke, woodblock prints, textiles and kimonos. Its collection of Korean art includes silk embroideries and green-glazed ceramics, while the Himalayan art collection includes early Nepalese bronze sculpture, repoussé work, Tibetan scroll paintings and ritual objects.

Thailand, Burma, Cambodia, Indonesia and Sri Lanka
This collection includes sculptures and precious objects made from gold, silver, bronze, stone, terracotta and ivory.

British Collections
Featuring art and design by British artists and craftspeople, these galleries cover three periods: (1) Tudor and Stuart Britain 1500�: covering the Renaissance, Elizabethan, Jacobean, Restoration and Baroque styles. (2) Georgian Britain 1714�: covering Palladianism, Rococo, Chinoiserie, Neoclassicism, Regency, and the Gothic Revival. (3) Victorian Art 1837�: covering the later Gothic Revival, Classical and Renaissance revivals, Aestheticism, Japanese styles, the Arts and Crafts movement and the Scottish School. Featured artists and designers include: Grinling Gibbons, Sir James Thornhill, William Kent, Sir William Chambers, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Eleanor Coade, John Constable, Thomas Chippendale, Augustus Welby Northmore Pugin, William Morris, William Burges, Charles Robert Ashbee, Christopher Dresser, James McNeill Whistler and Charles Rennie Mackintosh.

Furniture and Furnishings
The V&A furniture and furnishings collection contains more than 14,000 items from across Europe, including, complete rooms, musical instruments (notably a 1699 violin by Antonio Stradivari), and clocks, as well as furniture dating from the Middle Ages to the present - although most of the furniture is British and dates to between 1700 and 1900. Furniture designers featured from the 19th and 20th centuries include Ernest Gimson, Edward William Godwin, Charles Voysey, Adolf Loos and Otto Wagner, while modernists include Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Marcel Breuer, Charles and Ray Eames, Giò Ponti, Eileen Gray and Ron Arad.

Ceramics
Numbering over 75,000 objects, drawn from across the world, the V&A ceramic collection includes: examples of ancient pottery, Meissen and Sèvres porcelain, a wide display of Delftware, 18th century British porcelain (Royal Doulton, Chelsea and Worcester), and the finest collection of East Asian (Chinese and Japanese) pottery and porcelain in the world, an unrivalled display of Italian maiolica, Spanish lustreware, and Iznik pottery from Turkey. Famous ceramicists and potters featured, include: Josiah Wedgwood, William Frend De Morgan, Bernard Palissy and Bernard Leach. See also Ceramic art.

Joyería
The V&A jewellery collection has more than 6,000 items, from Ancient Egypt, Greece and Rome the Medieval period the Elizabethan era, and on to the present day. In addition to exquisite items of early Christian art, it features works by jewellery designers Cartier, Peter Carl Fabergé and Lalique, Gerda Flockinger and Wendy Ramshaw.

Glass
The V&A collection of glass art contains over 6,000 items from Africa, Britain, Europe, America and Asia. As well as ancient artifacts, it encompasses Venetian and Bohemian glass, including Art Nouveau glass designs by Louis Comfort Tiffany and Émile Gallé, Art Deco exemplars by René Lalique. Designers of stained glass represented in the collection include, Dante Gabriel Rossetti (1828-82), Edward Burne-Jones (1833-1898) and William Morris. In addition, the collection includes work by 20th century designers like Harry Clarke, John Piper, Patrick Reyntiens, Veronica Whall and Brian Clarke.

Metalwork
The V&A metalwork collection consists of some 45,000 items, including decorative ironwork, bronze, silverware, pewter, brassware and enamels, as well as arms and armour. About a quarter of the items are made from silver or gold. The collection includes the oldest known item of English silver with a dated hallmark (a 1496 silver gilt beaker). See also Celtic Metalwork.

Escultura
The V&A sculpture collection, consisting of some 17,000 items dating from 400 CE to 1914, is the most extensive assembly of post-classical European sculpture in the world. All types of sculpture are represented, from tomb and memorial, to portrait, garden statues, fountain sculpture and architectural decorations. It includes objects made from various types of marble, stone, wood, ivory, gesso, bronze, lead, ceramics, terracotta, alabaster and plaster.
The museum's collection of Italian sculpture from the Medieval, Renaissance, Baroque and Neoclassical periods is the finest outside Italy. It features works by Luca della Robbia, Giovanni Pisano, Donatello, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Andrea della Robbia, Michelangelo, Jacopo Sansovino, Alessandro Algardi, Benvenuto Cellini, Giacomo della Porta, Giambologna, Bernini and Canova. French sculptors in the collection include François Girardon, Michel Clodion, Jean-Antoine Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Rodin and Jules Dalou. Northern European sculptors featured, include: the wood-carvers Veit Stoss and Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, Jan van Schayck, Hans Daucher and Peter Flotner, Adriaen de Vries, Sébastien Slodtz, as well as British-based sculptors like Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack, Louis-Francois Roubiliac, Sir Henry Cheere, Thomas Banks, Joseph Nollekens, Joseph Wilton, John Flaxman, Sir Francis Chantrey, John Gibson, Edward Hodges Baily, Alfred Stevens, George Frampton, and Eric Gill.

Cast Courts
Located in the sculpture wing and consisting of two large, skylighted rooms two storeys high, this display area houses hundreds of plaster casts of famous sculptures, friezes and tombs, including: a full-scale replica of Trajan's Column, replicas of Italian Renaissance sculpture and architecture, such as the immortal David sculptures by Michelangelo and Donatello.

Painting and Drawing
The V&A collection of fine art painting and drawing consists of some 1,130 British and 650 European oil paintings, 6,800 British watercolours, pastels and 2,000 miniatures. It includes the seven surviving Raphael Cartoons (designs for the Vatican's Sistine Chapel tapestries), on long term loan loan to the museum, from the British Royal Art Collection of Queen Elizabeth II. Among the many Old Masters and later famous painters represented in the collection are: Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Anton Raphael Mengs, Rembrandt, François Boucher, John Constable, JMW Turner, Jean-Baptiste Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgar Degas, Jean-François Millet, Paul Cezanne, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones. Other famous water colourists represented include: William Gilpin, William Blake, John Sell Cotman, Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear, and Whistler. The V & A also includes a wide range of miniature portrait painting by an extensive list of Europe's best miniaturists such as: Jean Bourdichon, Hans Holbein the Younger, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Peter Oliver, Jean Petitot, Alexander Cooper, Samuel Cooper, Thomas Flatman, George Engleheart, John Smart, Richard Cosway & William Charles Ross.

In addition, the V&A holds drawings by: Albrecht Durer, Giovanni Benedetto Castiglione, Antonio Verrio, John Russell, Angelica Kauffmann, the sculptor John Flaxman, Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson, Thomas Girtin, Jean-Auguste-Dominique Ingres, David Wilkie, John Martin, Samuel Palmer, Sir Edwin Henry Landseer, Lord Frederic Leighton, Sir Samuel Luke Fildes and Aubrey Beardsley. Twentieth century British artists represented include: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, Eric Gill, Stanley Spencer, John Piper, Graham Sutherland, Lucian Freud and David Hockney.

Photography
The V&A collection of photographic images consists of some 500,000 images dating from 1839 up to the present day. It features work by photographers such as Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray, Frederick Hollyer, Samuel Bourne, Roger Fenton, Man Ray, Curtis Moffat, Henri Cartier-Bresson, Ilse Bing, Bill Brandt, Cecil Beaton, Don McCullin, David Bailey, and Helen Chadwick.

Prints and Books
The Victoria and Albert museum is also home to the National Art Library, one of the world's largest libraries devoted to fine and decorative arts, which contains more than 750,000 books. Collection highlights include: the Codex Forster, notebooks by Leonardo da Vinci. The V&A print collection of 500,000 items, includes posters, greetings cards, book plates, and prints by such masters as Rembrandt, William Hogarth, Canaletto, Karl Friedrich Schinkel, Matisse and Sir William Nicholson.

Textiles
The V&A collection of textiles - one of the world's biggest - comprises more than 38,000 items, dating from the 1st century CE to the present. Mainly western European in origin, it includes works from across the world. Techniques and crafts represented include: weaving, quilting embroidery, lace, tapestry and carpets. Highlights include early silks from the Near East, European tapestries (notably Gobelins tapestry as well as examples from Brussels, Tournai, Beauvais, Strasbourg and Florence), and English medieval church embroidery. The collection also includes woven fabrics, and pattern books designed by the Arts and Crafts Movement leader, William Morris.

The V&A also runs the Museum of Childhood at Bethnal Green, one of the world's largest and oldest collections of toys and childhood artifacts. Dating from the 16th century to the present day, it encompasses dolls, teddy bears, toy soldiers, train sets, puppets, rocking horses, costumes, board games, as well as some of the earliest jigsaw puzzles ever made.

Education, Research and Conservation

Itself established as one of the finest art museums in Europe, The V&A maintains an extensive series of educational programs, along with collaborative ventures with institutions across Britain. In addition, it runs a major research and conservation department for the benefit of scholars and the general upkeep of its exhibits.

Victoria and Albert Museum
242 Brompton Road
London SW3 2BB
Website: www.vam.ac.uk.

• For details of the development of painting and sculpture, see: History of Art.
• For more information about the world's greatest art museums, see: Homepage.


History is our Future

Upon staying at my grandparents’ house in London we decided to make use of our time by visiting the Victoria and Albert Museum which is conveniently neighboured to South Kensington Station, so our worries of having to trek through the bitter cold weather were defused!

Due to a busy time schedule we could not stay at the museum for too long but long enough to appreciate the huge array of artefacts that were on display. Cut for time, I chose to explore the “Medieval & Renaissance 1350-1600” exhibition which covered three entire floors. Having recently read a number of books detailing Renaissance Florence under Medici rule, it felt right to get a first-hand view of the objects which were present in a time and place which turned the very cogs of the historical period which would be come to be known as the Renaissance.

I was first greeted by the pulchrous works of the artist Raphael who took over Michelangelo’s prominent role as the main artist in Florence. I was taken aback by the sheer scale of his paintings and what interested me was his constant depiction of biblical events which occurred in the New Testament. I was particularly analytical of his work “The Miraculous Draft of Fishes”, familiarising it with the Call of the Disciples, having studied the Gospel of Mark. What we can infer from this painting is that Raphael wishes to present Jesus as humanly suggested by the similarities in clothing between Jesus and the fishermen. The stark white robe covering Jesus’ underclothes is a massive contrast to the more neatly blended, complimentary colours which Raphael seems to use on the rest of the painting.

The Renaissance saw the birth of humanism, which was confirmed through the art which was produced in this period. The sculpture “The Rape of Proserpina” by Vincenzo de’ Rossi displays Pluto, the Roman King of the Underworld violently handling Proserpina who can be seen desperately struggling to break free from the clutches of the majesty of the dead. The negative connotations of this sculpture are only amplified by the choice of a depressingly dark bronze which confirms Proserpina’s ill-fate.

I also came across the Medici coat of arms (stemma) during the reign of Lorenzo il Magnifico’s son, Pope Leo X. It shows the six palle (balls) which were traditionally depicted on the Medici stemma. However, in addition to this, there is a tiara and crossed keys depicted which signify Giovanni de’ Medici’s ascendancy to the papacy.

Though what I was most excited about seeing was the “Labours of the Months”, produced by Luca della Robbia for Piero the Gouty’s study in the Palazzo Medici. It depicts the agricultural labours which occurred throughout the year, each of the twelve dishes having its own zodiac sign on it in correspondence to the depiction of day and night.


The History Behind … Posy rings

In the latest installment of The History Behind, National Jeweler explores the origin of posy rings, one of the first examples of personalized jewelry.

New York--Long before today’s couples were engraving their wedding bands with initials or dates, lovers of old were swapping secret messages and vowing their lifelong commitment on posy rings.


Part of the collection of the Victoria&Albert Museum in London, this circa 1300 gold posy ring is inscribed in Lombardic capitals, “Well for him who knows whom he can trust.” (Photo credit: © Victoria and Albert Museum, London)

Also spelled posie or poesy, these rings derived their name from the French word “poésie,” or poem, because of the short sayings with which they were engraved that were religious, friendly or amorous in nature.

While there are not a great number of jewelry designers using the word “posy” in connection with new collections today, the desire for jewelry engraved with personalized messages has never faded.

“It’s continued down through history,” observed Mary Borchert, a historian with Antique Jewelry University. “Nowadays, we don’t call it a posy ring but we technically could because it has the inscription inside.”

National Jeweler dug into the online archives of the Victoria & Albert Museum in London, which houses what is arguably the largest collection of posy rings in the world, and spoke with one modern-day jewelry designer inspired by the poesies of old for this latest installment of The History Behind.

What are posy rings and when were they worn? According to the Victoria & Albert Museum, posy rings were popular from the latter half of the Middle Ages, which extended from the 5th to 15th century.

In medieval times, when religion was very much a part of everyday life, it was common for saints’ figures or religious text to appear on the rings alongside romantic expressions or even expressions of friendship. In this way, the rings functioned both as a religious talisman and a gift of love.

Jewelry designer Monica Rich Kosann, who recently launched a line of posy-ring inspired jewelry, said posy rings also were exchanged between kingdoms and religious houses as a show of support.

According to the Victoria & Albert, posy rings from Medieval period mostly have the words engraved around the outside of the band, while in later examples the lettering is found inside.

What were some of the most common inscriptions? Like much personalized jewelry today, the posy ring provided the wearer the chance to don something completely different than what their neighbor had. They could


Ver el vídeo: Ιστορία ενός Μουσείου (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Abdul-Razzaq

    Bueno, estás yendo demasiado lejos. No estoy de acuerdo, esto no puede ser, no podemos permitir que esto suceda. Directamente una tormenta se levantó en mi alma. Ayer leí sobre los frecuentes accidentes de aviones, escriben que ahora caen 12 veces más que hace 20 años. Dicen que los coches tienen la culpa, y los ordenadores, por supuesto, también, pero me parece que antes volaban diferente, quiero decir con menos frecuencia. Es decir, las estadísticas están malinterpretando o los reporteros agregaron algo por su cuenta.

  2. Fakhir

    Comparto plenamente su punto de vista. Creo que es una buena idea.

  3. Dagis

    Estoy listo para ayudarte, haz preguntas. Juntos podemos llegar a la respuesta correcta.

  4. Colt

    Bien hecho, qué frase ..., la idea brillante



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